¡Philip Glass en Lima!

Uno de los más grandes compositores de la actualidad, icono de la cultura norteamericana reconocido mundialmente por sus composiciones. nos visita por primera vez. Philip Glass llega por primera vez al Perú junto al violinista también norteamericano Tim Fain para presentarse el 23 de noviembre a las 8pm en el Gran Teatro Nacional.

Philip Glass, varias veces nominado al Oscar por Mejor Banda Sonora y ganador en los Premios Bafta por Mejor Música Original por “Las Horas” en 2002, presentará con “Una Noche de Música de Cámara con Philip Glass y Tim Fain” un programa que consiste en música original compuesta para piano solo, violín solo y piano y violín, escrita desde 1976 hasta el presente.

Glass se encuentra realizando una gira por Sudamérica y visitará, además de Lima: Quito, Santiago y Bogotá.

La selección incluirá "Six Etudes" (1994-1999), "Mad Rush" (1980), "Metamorphoses" (1989), "Dreaming Awake" (2006), "Wichita Vortex Sutra" (1990) y la partita escrita por Glass especialmente para Tim Fain en violín solo,  y durará aproximadamente 80 minutos sin intervalos.

La presentación de Glass (a quien hemos dedicado un par de entradas en este blog, 1 y 2)será el próximo 23 de noviembre en el Gran Teatro Nacional a las 8:00 pm. Las entradas están a la venta en Tu Entrada.

Philip Glass...

...ha compuesto más de 20 óperas, largas y breves, nueve sinfonías, dos conciertos para piano y conciertos para violín, piano, tímpani, saxofón y orquesta. Ha puesto música a películas como "La bella y la bestia" de Jean Cocteau y "Drácula" de Bela Lugosi. Trabaja habitualmente con el Philip Glass Ensemble y ha colaborado con Ravi Shankar, Paul Simon, Linda Ronstadt, Yo-Yo Ma, Doris Lessing y Robert Wilson, entre muchísimos otros nombres internacionales.

Es posible que el estatus de genio le llegara a través de la película experimental "Koyaanisqatsi", dirigida por Godfrey Reggio (1981-1982), piezas que no se usaron en la película (como "Facades") al final aparecieron en el álbum "Glassworks" (1982, CBS Records), que llevó la música de Glass a un público más amplio. Sin embargo, la fama ya se encontraba de su lado desde los años setenta, en que compuso varias sinfonías basadas en canciones y álbumes editados por David Bowie, en especial aquellos producidos por Brian Eno y que integran la popular "Trilogía de Berlín": "Low" (1977), "Heroes" (1977) y "Lodger" (1979).

La "trilogía de retratos" se terminó con "Akhnaten" (1984), una composición vocal y orquestal cantada en acadio, hebreo bíblico y egipcio antiguo. Glass colaboró de nuevo con Robert Wilson en otra ópera, "The Civil Wars" (1984), que también funcionó como la parte final ("la sección de Roma") de la obra épica de Wilson del mismo nombre, originalmente planeada para un festival artístico internacional que acompañaría a los Juegos Olímpicos en Los Ángeles.

En la década de 1990, Glass adquirió fama universal. Su música durante todo este periodo se ha alejado cada vez más del minimalismo y de sus planteamientos personales iniciales para llegar a posturas más populares y  marcas "glasianas", como sus característicos arpegios o transiciones tonales. A inicios del siglo XXI, su música ha continuado siendo motivo de admiración. Entre sus principales obras se encuentran su "Séptima Sinfonía" (Tolteca), inspirada en la música de los pueblos originarios de México; su "Octava Sinfonía", llena de variaciones melódicas y armónicas; y la ópera sobre la Guerra Civil, además de la monumental "Einstein on the Beach" que fue representada en 2012 para la conmemoración de los 75 años de Glass y continúa siendo presentanda en los más importantes teatros del mundo.

Tim Fain...

Fain también se presentará en el Gran
Teatro Nacional el 29 de noviembre,
junto a la Orquesta Sinfónica Nacional.

...se hizo conocido en el mundo por su aparición en la película "Swan Lake". Debutó en el cine en 2005 al ser la voz del violín de Richard Gere en la película "Bee Season". Como solista actuó con las más importantes orquestas de Europa y Estados Unidos. También actúo con la New York Chamber Symphony, la Filarmónica de Buenos Aires y la Orquesta de la Ciudad de México, presentándose además en importantes festivales como Spoleto Festival en Italia, Lucerne Festival en Suiza, en el Concertgebouw en Amsterdam y el  Lincoln Center's Mostly Mozart Festival. Actúa regularmente en formato de cámara y se ha presentado con diferentes formaciones en festivales como Ravinia, Bridgehampton, Santa Fe, Caramoor, Bard, Cooperstown, Chamber Music Northwest, Vail Valley, Moab y  Martha's Vineyard.

Ha grabado diversos álbumes, entre ellos "River of Light", "Arches" y "Tim Fain Live"; cuenta además con participaciones en "Lifeforce: the Music of Joel Harrisonm", "The Glass Chamber Players" y "Philip Glass Concerto para Violín y Cello".

Fain toca “el Moller”, violín veneciano fabricado en 1717 por Francesco Gobetti.

Con información de Saz Comunicaciones (síganlos en Twitter y Facebook, o si desean, envíenles un correo).
Daniel Ágreda Sánchez

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Reseñas: Gabriel Alegría, Agnetha, Iron & Wine, Michael Bublé

Gabriel Alegría Afro-Peruvian Sextet

Ciudad de los Reyes

Sapo Negro Records, 2013

Más cuajados que en sus entregas anteriores (“Pucusana”, 2005, y “Nuevo mundo”, 2007), Gabriel Alegría y sucombo han logrado sistematizar un lenguaje propio que fusiona el jazz y lo afroperuano sin sonar a la superposición de lo uno sobre lo otro. Obviamente, no es tan fácil hacer música fusión (por lo menos, no desde un estudio de grabación) sin tropezar con ciertas piedras. En este caso, tras escuchar “Ciudad de los Reyes” (Sapo Negro Records) uno puede darse por satisfecho y decir, sin que le quede nada por dentro: “¡Habemus Jazz Afroperuanum!”. El equilibrio entre las arremetidas rítmicas y las melodías de los metales (a lo Coltrane y Davis) fluye a lo largo de temas como “La puertecita”, “La esquina del pensamiento”, “A Lima llegó el tondero” y el ‘cover’ del clásico “Moon River”… Hace unos meses, en una entrevista, Alegría nos dijo que “el jazz es un género que permite explorar nuevas maneras para expresarse y nosotros hemos encontrado una simbiosis entre los ritmos afroperuanos y los del jazz; es muy fácil encontrar los lugares musicales y espirituales en que ambos géneros se juntan”. Pues este disco es la prueba fehaciente de que no mentía: lo que ha descubierto no solo suena ahora muy bien sino que, además, anuncia varios caminos por explorar.

Agnetha Fältskog

A

Universal Music, 2013

Agnetha, por si alguien en esta galaxia no lo sabe, es la cantante rubia de aquel tanque de pop sueco llamado ABBA. Obviamente, con todos los millones que continúa facturando, lo último que necesita es cantar para vivir, así que simplemente graba lo que le da la gana. Es así como llega “A” (Universal Music), un álbum que sigue la línea de “My Colouring Book” (2004), en el cual interpretaba canciones de la primera mitad del siglo XX. En “A” encontraremos temas nuevos, algo que no sucedía desde 1987… en realidad, Agnetha funge como cantante de sesión de Jörgen Elofsson y Peter Nordahl, ilustres desconocidos que tomaron la inteligente decisión de bajar el perfil y dejar que la verdadera estrella brille con propia luz. El resultado es bien interesante: pop simple y bien hecho (“When You Really Loved Someone”), baladas bonitas (“I Was A Flower” o “I Keep Them On the Floor Beside My Bed”) y divertidas reminiscencias setenteras (“Dance Your Pain Away”). La voz de Agnetha, a sus 63 años, se mantiene intacta, jugando a su favor que ya no se le exija llegar a las octavas altas. En resumen, se trata de un buen disco, de esos que nos recuerdan que lo comercial no está reñido, por definición, con la calidad.

Iron & Wine

Ghost On Ghost

Nonesuch Records, 2013

Sorprende gratamente el nuevo giro que la música del gringo Sam Beam ha tomado. Por un lado, mantiene su predilección por el preciosismo armónico/melódico, pero rítmicamente le ha puesto un poquito de alegría (no se asusten, que no es mucha; sigue siendo igual de introspectivo en ese sentido) a sus canciones. Lo que hace se inscribe perfectamente dentro de la tendencia del folk ‘indie’ cristiano que cuenta con millones de representantes en los EEUU, pero algo tiene que lo destaca muy por encima de los demás pese a mover exactamente los mismos elementos musicales y líricos. “Caught in the Briars”, “Grace for Saints and Ramblers” y “Grass Widows” son algunos de los mejores temas de su nuevo álbum, “Ghost On Ghost” (Nonesuch Records), del cual hace bastante tiempo empezó a circular el sencillo “Lover’s Revolution” (que no sonaba en absoluto a un tema de Iron & Wine) y recientemente se ha presentado el video oficial de “Joy”. Como bien lo señala Sam Beam en varias entrevistas, ha dejado a un lado esa angustia obsesiva, tan cara a los músicos independientes, y ha optado por hacer música un poquito más feliz, lo cual le ha abierto varias puertas creativas sin traicionar su esencia conceptual. En resumen, uno de los mejores lanzamientos en lo que va de 2013.

Michael Bublé

To be loved

Reprise Records, 2013

La historia de los ‘crooner’ es algo extraña, pero siempre nos brinda indicios de por qué ha transitado por los caminos que le conocemos. A Frank Sinatra, sin restarle los méritos artísticos, lo apoyó incondicionalmente la comunidad italiana en EEUU mientras que otros cantantes contemporáneos incluso mejores, como Johnny Hartman, veían su estrella opacada por el racismo preponderante. Actualmente, está el caso de artistas como Michael Bublé, que se limita a repetir las fórmulas que otros cantantes del género mucho más talentosos (como sus compatriotas Adam James, George Evans o Ted Hawkins) investigan y recorren, corriendo riesgos musicales que Bublé convierte en certezas comerciales. “To be loved” (Reprise Records) es más de lo mismo, y va hacia lo seguro a tal punto que, al escuchar la versión de “Something Stupid” al lado de Reese Witherspoon, uno puede sentirse incluso estafado. El disco no está mal, sobre todo si uno no se lo piensa mucho y simplemente se dedica a disfrutarlo, pero… ¡vamos, Michael! ¡Estás haciendo lo mismo que otros hicieron mejor hace cien años! Y los aportes modernos (como arreglos computarizados y baladas en estreno) no te justifican este nuevo lanzamiento. Aprender deberías de Bowie o de Iggy Pop, que a la vejez se dan el lujo de sorprender. En fin, por algo le llaman “industria” musical.

Por Daniel Ágreda Sánchez
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Publicado en PTM. Año 1, Edición 1, Junio 2013 

Reseñas: Iggy Pop, Eva Ayllón + Inti Illimani Histórico, Fleetwood Mac, Tera Melos

Iggy Pop & The Stooges
Ready to Die
Fat Possum Records, 2013

Este es el año en que los abuelitos han decidido regresar a patear traseros en casi todos los géneros musicales, del pop al rock, del jazz a la música clásica y… bueno, en el caso de Iggy Pop & The Stooges, ellos han decidido dar una clase maestra de punk, de suciedad químicamente pura muy, pero muy bien hecha. Bastan solo 10 segundos del primer tema para saber que todo el álbum “Ready to Die” (Fat Possum Records) es dinamita pura y que, con 65 años, Iggy aún es un joven furioso. Justamente, lo que llama poderosamente la atención del regreso de la banda tras 40 años (“Raw Power”, de 1973, fue su disco previo) es que el salvajismo, la rabia, la fuerza, la honestidad y la energía se mantienen intactas. Uno puede pensar que el punk ya es historia, porque las coyunturas políticas y socioeconómicas que lo vieron nacer ya no son las mismas, y porque varios de sus exponentes están inmersos en el sistema. Pero no, Iggy Pop nos arroja esta bomba irresistible de adrenalina y crítica sarcástica sobre la vida, la estabilidad laboral, el amor y demás demonios. Todas las canciones son una genialidad… es más, ¿qué hacen ustedes leyendo esto? ¡Vayan a comprar el disco de una vez! Mientras tanto, aquí pueden escucharlo completo:

Eva Ayllón + Inti Illimani Histórico
Eva + Inti
11 y 6, 2013

Inti-Illimani es, junto con Quilapayún, una de las más importantes instituciones musicales del nuevo canto chileno, social y folclóricamente comprometido. Su nombre, para más señas, mezcla el quechua ‘inti’ (sol) y el aimará ‘illimani’ (águila dorada). Hace unos años, luego de una serie de pleitos internos, hubo un sisma entre sus miembros que puso en escena al Inti-Illimani Histórico, que raya con sus presentaciones por el mundo al lado de estrellas como Cigala, Quilapayún y nuestra eterna Eva Ayllón. Justamente el disco que comentamos es “Eva + Inti” (11 y 6), una joyita musical que refresca, gracias a la genialidad musical de los chilenos, los temas afroperuanos que ya casi estamos hartos de escuchar una y otra vez: “No me cumbén”, “Fina estampa”, “Regresa”, “Toro mata”, “Ingá”. Se trata de una revisión muy respetuosa de nuestras raíces basada en los tremendos recursos artísticos de los intérpretes. Cierto es que Eva, seamos sinceros, no es precisamente una cantante muy versátil en varios sentidos, pero lo que no tiene en técnica lo gana en picardía, logrando estar a la altura de estos monstruos chilenos. Mención apare merecen el percusionista peruano Marco Campos y el pianista Camilo Salinas. Un álbum para todos los públicos, pero muy especialmente para músicos y musicólogos; así de exquisito es este producto.

Fleetwood Mac
Extended Play
LMJS Productions, 2013 

Es absolutamente imposible que alguien no haya escuchado una canción de Fleetwood Mac alguna vez su vida, porque durante varias décadas sonaron hasta en la sopa. Desde el famoso ‘cover’ que hizo Santana de “Black Magic Woman” (aquí en versión original por los FWMc) hasta la adaptación a sencillo publicitario de “Angel” (¿recuerdan esto?, pasando porque varios de sus discos (como “Rumours”, de 1977) siguen vendiéndose hoy en día como pan caliente, y porque otros como “Tusk” (1979) llegan a unos niveles de perfección que rondan el delirio. Así, con casi 50 años de carrera ininterrumpida (y con más cambios de personal que gabinete ministerial en época de crisis), el ahora cuarteto integrado por Mick Fleetwood, John McVie, Lindsey Buckingham y Stevie Nicks nos trae un “Extended Play” (vía LMJS Productions, nombre que asumimos está formado por las iniciales de sus nombres) con cuatro temas: “Sad Angel”, “Without You”, “Miss Fantasy” (de Buckingham) y “It Takes Time” (de Nicks). Alguno es un tema muy antiguo, rescatado casi de casualidad por algún fanático aplicado, mientras que otros son el reflejo de lo que es esta banda actualmente: genios que viven de sus laureles y se presentan ante multitudes que aún los escuchan como cuando sonaban hace… 20, 30 o 40 años. ¡Pero qué rayos! ¡Es Fleetwood Mac y un nuevo lanzamiento suyo es todo un acontecimiento! Y aquí está el EP completo...

Tera Melos
X'ed Out
Sargent House, 2013

Eclecticismo al máximo y quebrantamiento de todas las reglas sin concesiones de ningún tipo; eso es Tera Melos, un grupo que hace acompañar a su interesante propuesta sonora con una fantasía visual bastante original. Suenan como se ven y se ven como suenan, y todo esto está integrado. Este trío californiano acaba de editar X'ed Out (Sargent House), un ávido tributo a la sicodelia sesentera con toques ‘indie’ que recuerdan al más angustiante Sufjan Stevens, pero manteniendo constante la riqueza musical, lo que marca la diferencia con sus contemporáneos: no hay abusos de ningún recurso, no sevan a extremos de ningún tipo (mientras no sea necesario, claro está). Los primeros sencillos son “Sunburn” y “Bite” (¡tienen que ver el videoclip!); además, el resto del disco está disponible tanto en Youtube como en MySpace y Tumblr. Luego de escuchar bandas como estas, uno se vuelve a preguntar cuál es el criterio de las discográficas para fichar y promocionar ciertos grupos que suenan como aquellos a los cuales no promocionan, pese a ser los evidentes gestores de las nuevas tendencias. Injusticias aparte, lo único bueno de esta época globalizada es que podemos tener acceso a grupazos caletas como Tera Melos. Compren, descarguen Torrents, pirateen, busquen ‘streaming’, lo que sea… ¡pero escúchenlos!

Por Daniel Ágreda Sánchez
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Publicado en PTM. Año 1, Edición 1, Junio 2013